Vacio-La Saturación del Lugar

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VACIO LA SATURACIÓN DEL LUGAR  Residencia junio / julio 2016

La Multinacional espacio dedicado a la gestión, exhibición y difusión de arte, inicia sus actividades en el año 2011, en la ciudad de Quito – Ecuador.

Coordina a lo largo del año varios proyectos de  exhibición, residencias, laboratorios, festivales y curadurías que dinamizan el medio del arte y generan redes de trabajo a nivel regional e intercontinental.

Ha movilizado a más de treinta artistas en sus residencias individuales y colectivas: “A corto Plazo”  y “Línea Imaginaria” programas que han permitiendo trabajar y compartir con residentes de América, Europa y Asia.

La Multinacional  invita a artistas, agentes culturales,  investigadores, interesadxs a postular a “Vacío-La Saturación del lugar”. Propuesta que se realizará durante 21 días en los meses de junio-julio 2016. Posibilitando un espacio de investigación idóneo en un ambiente distendido y dinámico. Finalizando con una exhibición de los procesos realizados durante la residencia.

Quito es una ciudad andina con  contrastes  geográficos y culturales matizados en varios aspectos de lo social y político. Un espacio que  alberga un “patrimonio” colonial, reafirmado desde lo hegemónico.

La convocatoria participa a Interesadxs en plantear paralelismos, diálogos y tensiones: en torno a lo barroco, a través de especulaciones, ensayos, experimentación y aproximaciones que alteren, problematicen o realicen vaciamiento de  contenidos, para poner en cuestionamiento las estructuras y estrategias históricas, urbanas, políticas y sociales; permitiendo otros intercambios/feedbacks, y sentidos en la actualidad.

A partir del visionamiento de la ciudad de Quito como una configuración compleja del discurso colonial: que se pliega, entrecruza, satura y excede tiempos, lugares y conflictos. Ensayando mecanismos, que posibiliten descomponer, desestructurar y desfasar diversas temporalidades de un mismo espacio.

Se priorizará proyectos e ideas,  en diferentes fases en relación a la producción, temática o interés  de alimentación y proceso creativo/investigativo; que aporten desde sus particularidades a lo planteado.

Dentro de la residencia se propone:

– Espacio académico y de debate a partir de mapear y proveer bibliografía y proyectos a nivel global que contribuyen al sentido de la convocatoria.

– Visionado de colecciones de arte en la ciudad, recorridos a museos, arquitectura relevante en términos histórico críticos en  la ciudad.

– Charla con investigadores/as locales alrededor del tema

– Invitación de proyectos y propuestas a nivel local que bordeen lo propuesto, a partir de la producción paralela.

– Estudio Abierto con los y las participantes de los desarrollos creativos en la residencia

– Visita a centros culturales, galerías, exposiciones.

– Análisis de proyectos

– Salidas de contraste/reactivación fuera de la ciudad

– Presentación Final del proceso de residencia

Aplicación:

Pueden postular los interesadxs de cualquier nacionalidad, en áreas de estudio y practica en; artes visuales, escénicas, curaduría, ciencias sociales, gestión cultural, pedagogía, urbanismo, arquitectura o afines a la investigación artística.

Enviar un solo documento PDF, no mayor a 7MB, con el asunto; Vacío-la Saturación del Lugar y nombre  al correo: multi.nacional@hotmail.com

– Datos de contacto: nombre completo, mail, teléfono, país,

– Biografía del postulante máximo 200 palabras

– fotografía actualizada del proponente

– CV, resumido

– Un escrito no mayor a 500 palabras indicando cuál es el interés de participación en la residencia

– 5 Imágenes de sus anteriores procesos de trabajo, (Resolución Optima para visualización)

– links de interés en la web de su producción (textos, publicaciones, videos, etc.).

– Cupo 10 participantes

Inversión: 280 dólares

La inversión realizada por los/las artistas retribuye en:

– Alojamiento por 21 días, accesos a las áreas de descanso, biblioteca, habitaciones compartidas entre tres personas, conexión wi-fi.

– Se proporcionará  víveres para desayunos

– Material de difusión virtual e impreso (postales de la muestra  final de la residencia)

– Registro fotográfico de toda la residencia

– Clínica de proyectos y asesoramiento constante sobre sus proyectos

– Visita de dos agentes culturales locales, para visionar su proceso de trabajo e inserción en el medio local

– Entrada a tres museos locales con colecciones de arte barroco (museo San francisco, San Agustín, Guápulo)

– Visita centro histórico de la ciudad

– Exhibición y Curaduría en los espacios expositivos de La Multinacional

– Entrega de certificados de participación.

Se entregará cartas a los seleccionados para gestión en sus respectivos países

Los postulantes se comprometen a:

– realizar presentación final de su proceso de residencia.

– El material audiovisual enviado, y de registro  se utilizará únicamente para procesos de difusión y comunicación sin fines de lucro en proyectos de La Multinacional, que tengan relación con la residencia.

La residencia NO contempla:

– Pasajes desde y hacia los lugares de origen de los artistas participantes, seguros médicos

– Gastos de producción (materiales) para elaboración de obra,

– Viáticos, almuerzos, cenas (solo especificado) 

Cronograma

Plazo de aplicación: 16 de abril  2016 –  20 de mayo  2016

Publicación artistas seleccionados: 21 de mayo 2016

Pago inversión: 23 de mayo-10 de junio  2016

Arribo de artistas a la ciudad de Quito: 26 de junio 2016

Inicio residencia: 27 de junio 2016

Culminación residencia: 17 de julio  2016

Presentación de resultados proceso de residencia Muestra 15 de julio 2016

Pagos por transferencia vía moneygram o western unión

A nombre de:

Gabriel Arroyo Gallardo

DNI: 1714661863

Teléfono (593)  0979387670

Dirección: Barrio La Mariscal Quito Ecuador Sudamérica

La Multinacional,

Quito-Ecuador   

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ERROR EXPRESO, PROGRAMA DE RESIDENCIA LÍNEA IMAGINARIA 2016

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Error Expreso, programa de residencia 2016 planteo un acercamiento y visibilización de los procesos indagados y experimentados durante tres semanas de trabajo, sensibilización y reflexión de proyectos  en referencia a lo NO Convencional, en  contenido, forma, circulación y difusión de arte en la ciudad de Quito.

Mostró desde el micro relato, intersticios y fisuras que  ubican al error como un medio creativo, de especulación y de aprendizaje,  presente en  la historia de la humanidad, pero oculto desde la perspectiva de pensamiento occidental, en el sentido de ver en este una alerta al fracaso.

La sociedad procura el  acierto, la precisión, miramos el mundo desde la configuración binaria. Lo expreso de errar parte de un grado de anulación de resultados que cuestionen  convencionalismos, fantasmas y apariencias que se tiene como verdades.

Estableciendo una tensión simbólica para el creador,  tangible a la hora de concebir una pieza artística  y buscar un centro  y considerar lo no supuesto, lo no dado. Sin constituir una apología del error, la muestra encuentra, habla y plantea reflexiones en torno al arte en relación a lo contemporáneo abordando desde diversas entradas la prueba, el fallo, el errar.

La residencia en sus derivas, visitas y diálogos dieron coyuntura a la ciudad fortaleciendo los mecanismos de producción de proyectos en un lugar distinto al habitual del residente, poniendo en alerta al participante, cuyo interés se va asentando  en razón de su concepción creativa.

Virginia Ocaña (Arg) En un primer momento  experimenta un ayuno de once días.  Proceso que sensibiliza y motiva su performance, conformado por un  texto, un circuito cerrado y un cuadernillo  que a modo de “afirmación” o “negación” repite la frase “I choose to be an artist”.  Continúa en  un segundo momento en el espacio elegido  (cocina) articulando su cuerpo con el azar en la caída y fractura de once platos.

A través del dispositivo tecnológico una presencia  virtualizada,  juega y ficciona lo que es “real”. Un sentido de dispersión, observable en los gestos  acompaña al quiebre, metáfora de inflexión, de cambio.  Imagen, ruido  y  fragmentos es lo que va quedando de la acción.

El planteamiento del performance Fame, en su  traducción al español Fama, crea el doble sentido, dualidad visible cuando  se lee una frase de Kafka referente a la exacerbación de la alimentación. La pregunta empieza a flotar que fama puede existir a riesgo de exponer lo precario en medio de un sistema cuya cualidad autárquica, no alcanza.

Esa falta de autoabastecimiento matizada en lo social, no deja por fuera al arte cuyo conflicto pretende la auto referencia. Tiene que ver con direcciones, decisiones,  un norte. ¿Que busca el sujeto contemporáneo?  El sentido cambia, lo que en la modernidad se denominaba el aura del creador, ahora es la desmaterialización del sujeto en clave de ruptura.

Virginia Ocaña (Arg)

TITULO: FAME

TECNICA: PERFORMANCE

DURACIÓN: APROXIMADAMENTE 45 MINUTOS

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Victoria González (Mex) resuelve su proceso a través del video, soporte que se muestra sobre un elemento de la naturaleza, la tierra como territorio que provee vida. Una deriva  por la ciudad detona en reflexión a partir de buscar aberturas que trazan contradicciones “errores” en el código penal de Ecuador acerca del tema de la legalización de la mariguana son los que proveen los contenidos de la obra.

Con la intención de compartir su territorio corporal sujeta a su mano un bote que contiene semillas de cannabis  que pretende hacer crecer, incomodar (se) confrontar (se) con el medio a partir de un recorrido confrontativo por espacios oficiales, institucionales que dialogan en restricción y prohibición entre lo público-lo privado-lo personal.

La obsesión del conflicto corporal se traslada al espacio legal, desde lo afectivo-creativo el acto performático adquiere visiones de salvaguarda, desde lo “lógico”, la tenencia, el cultivo, el expendio no justifica el territorio de un cuerpo, la decisión de auto representarse y auto determinarse como sujeto libre.

Victoria González (Mex)

TERRITORIO LIBRE

Obra procesual, semillas de mariguana, video

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Enrique López Llamas (Mex)  propone una serie de cinco piezas  con título “La patria ya es”  parte del slogan de propaganda del gobierno de Ecuador. Su entrada a la muestra se proyecta como una reflexión y de construcción alrededor de los discursos de identidad, tangibles en  Latinoamérica aún en lo contemporáneo.

Crea tensiones que rememoran y se anclan  en símbolos republicanos y modernos, a través de escudos, banderas, historiografías, personajes, etc. Usando los elementos encontrados en estas y subvirtiendo sus formas, su estrategia trasgrede los idearios hegemónicos de poder en nota de parodia y critica.

Adquiere ponchos, usa fósforos, manda a confeccionar tejidos, contrata a una indígena y recurre a un tema musical del grupo (Los conquistadores) para  armar un proceso complejo y desestabilizador, que va desde lo performático, lo objetual y el video.  Con una estética  alejada de convencionalismos, expone en una suerte de patio trasero, de ruina, espacio consecuente con lo que propone: des-hilar medios, formas y sonidos  que den cuenta de paradigmas que resultan obsoletos, insuficientes.

La Patria ya es

Acción en la que se pagó a un artesano de la provincia de Otavalo para realizar un tejido de lana con la frase “La Patria ya es” y, posteriormente, a un artesano de la ciudad de Quito para que lo deshile.

623DSC_0075DSC_00832814“Entre cenizas”

Escultura efímera compuesta por una caja de fósforos marca “EL SOL”, tabla de madera y hierbas aromáticas usadas por curanderos del Mercado de Santa Clara (Quito) para realizar limpias.

7DSC_006298Inti Raymi

Techo intervenido con un agujero y lámpara calorífica dibujando un haz de luz sobre el suelo

40Vuelo salvaje

Poncho de algodón, pintado de color amarillo, y usado por una mujer de ascendencia indígena a la que se le pagaron cinco dólares estadounidenses a cambio del mismo.

1110Los conquistadores

Vídeo en el que el artista juega como juez y sin contrincantes a las sillas musicales con la canción Pañuelo blanco del grupo ecuatoriano Los Conquistadores

link de video: https://vimeo.com/172490519 

Danielli Cristine (Bra) su trabajo performático  indaga sobre las micro violencias que se encuentran de manera cotidiana en imaginarios sociales en relación al género, haciendo hincapié las que suscriben a la mujer de forma directa en representaciones gráficas, visuales,  es un diálogo en doble vía a través de  material gráfico, en revistas encontradas en un mercado local, como testigo de un pasado contradictorio que aún permea visiones patriarcales en la contemporaneidad.

Establece un juego visual de ironía al presentarse en su performance ataviada  con un traje rosa, que pone a consideración los discursos y morfologías de la danza clásica como otro intento por estructurar y formatear el cuerpo. La performance establece una escenificación en una habitación, que ofrece un ambiente decorado, falseando a propósito en el discurrir de movimientos esforzados de danza, aumentando el conflicto al ir quitando al gesto la precisión y coordinación.

Al final queda la imagen despojada, reflejo de cargas simbólicas y culturales en medio de un caos fruto de la expresión y libertad de su cuerpo.

Danielli Cristine (Bra)

La muerte del cisne

Duración: 15 minutos

Performance

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Roger Pincay (Ecu) Establece un diálogo y metáfora que surge de la relación urbano-rural, la resolución formal es a través de una instalación como una especie de tejido,  cuya forma evoca un habitáculo, cubil, medio de encuentro en el que disgrega posibilidades de cubrimiento. Lo animal -lo humano-lo doméstico como engranajes de una misma “tribu”.

Lo dúctil del lenguaje (dibujos, textos, apuntes) aparece como una construcción site specific, que parte de indagar sobre lo rural en la población de Cala Cali, y tomar al perro como conexión que narre la alegoría de la masa.

Roger Pincay (Ecu)

Título: Calas – calas

Año: 2016

Técnica: instalación materiales varios

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Moisés Yunga (Ecu) Un conjunto de cuatro cráneos modelados en referencia al homínido se exhibe junto a impresos en código binario. La referencia es clara,  el homo sapiens avanzo hacia  un manejo complejo de comunicación a partir de sus propias necesidades y dificultades. Dispositivos de data, almacenamiento, bits. Donde el cero (0) es ausencia, la nada.  Y el uno (1) es presencia, existencia.  Paralelismos de un proceso de especulación creativo que se puede traducir como el mecanismo que aplica la naturaleza mediante la prueba-error para adquirir una forma, llegar a un algo.

Pero cuál es el planteamiento actual en relación a un posible devenir del sapiens contemporáneo; cuál es la necesidad que definirá la  morfología del cráneo humano.  Lo intangible de las comunicaciones actuales, el devaneo de lo líquido en la modernidad, parece ser las interrogantes que subyacen a la pieza.

Moisés Yunga V. (Ecu)

Título: e-volución

Materiales: Terracota e impresiones en papel bond A4.

Dimensiones: Variables

 

Open Studio en Residencia con los artistas participantes de Error Expreso, compartiendo el proceso de trabajo, diálogo, lectura de textos, abstract, fortalecimiento de ideas, intercambio  de información, crítica, reflexión y debate con los visitantes a la residencia.

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Victoria González, compartiendo su proceso de performance e intervención en la ciudad de Quito.

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Moíses Yunga en el proceso de construcción de la pieza e-volución

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Como parte de la residencia se compartió   un  taller de creación en video  y de performance a través de ejercicios de sensibilización y percepción corporal que se articularon entre cuerpo y video, dinámicas de exploración individual y colectiva que contextualizaron la perspectiva de la temática de la residencia.

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Participantes en ERROR EXPRESO  Residencia, 15 de febrero / 6 de marzo 2016

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David Celi (ECU) artista invitado

DC

David Celi ,  quito 1976. estudia diseño industrial, Incursiona en el arte contemporáneo desde 2004, su trabajo experimental lo realiza en instalaciones, pintura, escultura, fotografía, performance, video. Actualmente se centra en la representación de los intersticios sociales  a través de la pintura con diversos materiales, soportes y fusión con diversos medios. Ha sido merecedor de varias menciones de honor y premios en diferentes certámenes en Ecuador. Invitado a participar en  festivales y muestras a nivel internacional.

Virginia Ocaña (ARG)

VO1

De nacionalidad Argentina y radicada en la ciudad de Buenos Aires, comienza su carrera en el campo figurativo,  con el dibujo en grafito y tintas. Luego se abre paso a la pintura abstracta, siguiendo un estilo expresivo, espontáneo y experimental, representada en obras de pequeño y gran formato. Interesada en el reciclaje y en la aplicación de materiales no convencionales, es común ver el uso de la pintura asfáltica en sus obras, como también alimento, aluminio, y mezclas de diferentes componentes orgánicos. Actualmente siente la necesidad de transitar en la fotografía, el video arte y video performance, objeto e instalaciones. La nostalgia del pasado representada en imágenes incoloras, el rol de la mujer, la psicología, el ritual, lo sagrado y la política son temas en los cuales trabaja y profundiza.

Moisés Yunga (ECU) (n. Alausí, 1992). Creador de propuestas artísticas.

Moisés Yunga V

Desde 2011 curso mis estudios de Artes Plásticas, en la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador. Mi obra se desarrolla en ramas como escultura, pintura, dibujo, instalación y videoarte, por lo que he participado en varias exposiciones colectivas a lo largo los dos últimos años. Entre las más importantes podría resaltar “Dando la Cara”, en el Museo Municipal de Arte Moderno de Cuenca. La “1era Bienal de Videoarte y Animación” en Puebla México, seleccionado de entre 215 artistas y 450 videos de 20 países diferentes. Y la “III Expo FAUCE: Arte, Tecnología y Sociedad” en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, sede Quito. En la actualidad estoy en el desarrollo de mi Proyecto de Titulación. Tiene como eje central la producción interdisciplinar entre el arte y las ciencias duras, por lo que estoy indagando en procesos visuales, tecnológicos, fenómenos químicos o físicos que me ayuden a generar obra desde los distintos tipos de conocimiento, en un sentido de sinergia. https://moisesyungav.wordpress.com/

Claudia Victoria González (MEX)

CVG

Nace el 10 de febrero de 1988 en la Ciudad de Puebla, México. Estudió Artes Plásticas en el Instituto de Artes Visuales del Estado de Puebla.
Su trabajo así como ella misma ha pasado por diferentes etapas, en el inicio de su aprendizaje desarrolla su habilidad y pasión por el dibujo por lo cual la gráfica es el medio con el que está mas familiarizada aunque eso no evita que su práctica artística se diversifique en diferentes expresiones. En los últimos años de universidad se inicia en el arte callejero, acción que aún realiza pero ahora en forma de murales comunitarios y con una visión diferente. Actualmente, como fruto de un estudio de año y medio en arte contemporáneo y Nuevos Medios sus trabajos se enfocan en situaciones sociales actuales y busca accionar a un cambio positivo desde su lugar en el arte a través de nuevos formatos. Un ejemplo de esto es su último proyecto en el que invitó y asesoró a 75 participantes a iniciar un huerto en casa, proceso del cual llevó un registro fotográfico de principio a fin.
Simultáneamente a su práctica artística es colaboradora en una Asociación Civil que ayuda a grupos vulnerables de la Sierra Norte con víveres y ropa.

Roger Pincay (ECU)  Guayaquil /1990

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Colegio de Bellas Artes – Juan José Plaza. Bachillerato.Instituto Superior de Artes del Ecuador. Tecnología. Participaciones: Festival de artes al aire libre FAAL. ( 2008 – 2009 – 2010). Salón de Riobamba 2009 Salón de Julio Independencia de Guayaquil (2007 –
2008 – 2009). Premio Brazil – Centro de Arte Contemporáneo CAC. 2013. Salón Leonardo Tejada. (2009 – 2010) Salón de Octubre Independencia de Guayaquil (2009 – 2010) Salón de Junio Machala 2014. Salón de pintura Universitaria de Quito Universidad Tecnológica Equinoccial. UTE. 2010. “En Blanco” Exposición colectiva Museo de arte contemporáneo MAC. 2011.“Parole” Exposición individual. Espacio independiente. 2012. “Bitácora”
Exposición Colectiva, Cuenca. 2012. “Tiempos Muertos” Exposición colectiva, Galería DPM. Distinciones: Segundo lugar : Festival de artes al aire libre FAAL. 2009
Primer lugar: Salón universitario de pintura UTE. 2009. Primer lugar: Salón de junio Machala 2014. Tercer lugar : Salón de Julio Guayaquil 2015

Danielli Cristine  (BRA)

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Es una actriz en constante formación que descubre  todos los días nuevos caminos para su trabajo. En  un  proceso de investigación de arte performática ha participado en diversos países con  diversos grandes maestres como Patricio Vallejo y Juan Monsalve en Ecuador, Thomas Richards, Eugênio Barba y Parvathi Baul en Itália y  Rena Mirecka en  Polonia, profundizando su investigación en lo modos de  expresar con el  cuerpo y de como permitir que a alma se revele por los poros durante un lapso de   tempo/espacio.
Realiza performance durante los últimos meses, después de investigar un año fuera de su país, lo ha realizado junto al Coletivo Liquida Ação, con acciones en el campo político sobre los diversos problemas de los recursos hídricos en la ciudad de Río de Janeiro

Enrique López Llamas (MEX)

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La producción de López Llamas consta en diversas investigaciones sobre sistemas de relación en el hombre contemporáneo. Cuestionamientos generados a través de la reflexión de problemáticas fundamentales sobre forma, materia, lenguaje y espacio. Su interés radica en la discusión de ideas referentes a individuo y sociedad, de opresión y resistencia. Es un estudio en constante desarrollo sobre el sujeto en torno a dinámicas de poder actuales.

Estudiante de la Licenciatura en Artes plásticas por la Universidad de Guanajuato. Actualmente es beneficiario del Programa de Estímulos a la Creación y al Desarrollo Artístico de Aguascalientes en la categoría de Jóvenes Creadores con el proyecto El deseo entró por la ventana. Cuenta con cuatro exposiciones individuales: Obediencia y disimulo, Casa de Europa en México, 2015; Impunity (I think I should’ve stayed home), Museo Iconográfico del Quijote, 2014; f(r)icciones, Galería Jesús Gallardo de la Universidad de Guanajuato, 2013; Ilustraciones de los errores cometidos al intentar encontrar el sentido de la vida, Galería 9.2 de la Universidad Autónoma de Aguascalientes, 2011.

Ha sido seleccionado en la Bienal de Dibujo y Pintura Enrique Guzmán del Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes en sus ediciones IV y V. En 2012 forma parte de la I Bienal de Pintura Eulalio Ferrer llevada a cabo en el Museo Iconográfico del Quijote, mismo lugar donde en 2013 le fue otorgado un premio de adquisición dentro del XXVII Concurso Nacional de Artes Visuales. En 2012 fue acreedor del primer lugar del Premio pintura Antonio Téllez por parte de Instituto Cultural de Guanajuato y la Universidad de Guanajuato. Cuenta con diversas exposiciones colectivas dentro y fuera de la república mexicana. Es co-fundador de Martillo amarillo en la ciudad de Guanajuato, casa habitación abierta a la difusión y práctica del arte.

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ERROR EXPRESO-  Programa de RESIDENCIA LÍNEA IMAGINARIA  2016

Antecedentes: La Multinacional espacio dedicado a la gestión, exhibición y difusión de arte, inicia sus actividades en mayo del 2011, teniendo como sede la ciudad de Quito – Ecuador. Durante este periodo ha realizado en colaboración con artistas, teóricos, gestores y productores culturales, nacionales y extranjeros: muestras, laboratorios, festivales,  talleres, investigaciones y curadurías que han dinamizado el medio del arte en Ecuador y han generado redes colaborativas a nivel regional e intercontinental.

Provocando movilización de artistas a través del Programa de residencias “A corto Plazo” para artistas individuales  y su programa de residencias colectivas denominado “Línea Imaginaria” propuestas que ha permitido trabajar con artistas de Colombia, Chile, Cuba,  Argentina, España, Brasil, Holanda, Estados Unidos, Puerto Rico y México.  Vinculando sus investigaciones  con el contexto local, visibilizando circuitos de interés para el arte contemporáneo; desarrollando agendas de participación colectiva tanto en espacio público como en su espacio de galería.

LÍNEA IMAGINARIA 2015 ARTISTAS RESIDENTES

ERROR EXPRESO, Residencia A partir de este programa, invitamos a artistas, curadores, gestores, investigadores,  interesadxs en articular procesos de creación artística experimental en la ciudad de Quito. A postular su aplicación a “ERROR EXPRESO”. Propuesta que se realizará durante 21 días en el  mes de febrero y marzo,. Culminando con una exhibición de los proyectos realizados durante la residencia.

Error Expreso toma como eje a la ciudad de Quito en su entorno urbano y rural,  trabajando en espacios abandonados, No Convencionales, sitios en conflicto  entre lo público y lo privado, espacios con contenidos sociales, políticos, históricos, geográficos, turísticos, estéticos. Incorporando la experiencia al resultado creativo. La Residencia en su metodología proporciona herramientas de reflexión y producción a través de los siguientes enfoques:

  • Experimentación artística  a partir del error como posibilidad creativa.
  • Espacios convencionales y no convencionales en relación a la difusión, comunicación y circulación del arte
  • Lo precario efímero y lo sólido tangible
  • Ciudad, lo urbano-rural
  • Recorridos y rutas por espacios con contenidos y contextos culturales de la ciudad.

Se contará con una agenda de muestras públicas realizadas por los residentes, que incluyen: conferencias, conversatorios en espacios académicos, enfocados al análisis del contexto su apropiación y representación.

– Portafolios por artistas residentes e invitados

– Análisis de proyectos

– Salidas de campo de interés para la residencia

– Visita a talleres de artistas locales, centros culturales, galerías, exposiciones.

– Vinculación con agentes culturales locales

– Muestra Final del proceso de residencia

Aplicación: pueden postular las áreas de estudio en; artes visuales, historia, gestión cultural, artes escénicas, curaduría, educación, arquitectura o afines a la investigación artística.

Enviar un solo documento PDF, postulación Residencia Error Expreso

Al correo: multi.nacional@hotmail.com

– Datos de contacto: nombre completo, mail, teléfono, país,

– Biografía del postulante máximo 200 palabras con fotografía actualizada del proponente

– CV, resumido

– Un escrito no mayor a 300 palabras indicando cuál es el interés de participación en la residencia

– 5 Imágenes de sus anteriores procesos de trabajo, máximo 300 dpi.

– links de interés en la web de su producción (textos, publicaciones, videos, etc.).

– Cupo 10 participantes

Inversión: 280 dólares, La inversión realizada por los/las artistas retribuye en:

– Alojamiento por 21 días, accesos a las áreas de descanso, estudio, biblioteca, cocina, baño, habitaciones compartidas entre tres personas, conexión wi-fi.

– Un desayuno  diario (se proporciona los víveres para que los residentes preparen su desayuno).

– Material de difusión virtual e impreso (postales de la muestra  final de la residencia)

– Registro fotográfico de toda la residencia, y acompañamiento por dos monitores locales de su proceso colectivo e individual.

– 1 taller  enfocado a la producción de video de 8 horas

– Visita a talleres de artistas y contactos locales

– Una  salida  áreas rurales de la ciudad de interés para la residencia.

– Exhibición en los espacios expositivos No convencionales, curaduría  La MULTINACIONAL.

– Los artistas deben presentar un producto final de la residencia y llevar de forma diaria una bitácora de su proceso creativo.

– Entrega de certificados de participación.

Se entregará cartas  de aval a  los seleccionados para gestión en sus respectivos países

La residencia NO contempla:

– Pasajes desde y hacia los lugares de origen de los artistas participantes

– Gastos de producción (materiales) para elaboración de obra,

– Viáticos, almuerzos, cenas (solo especificado)

Cronograma

Plazo de aplicación: 17 de noviembre  2015 – 4 enero  2016

Publicación artistas seleccionados: 8 enero 2016

Pago inversión: del 8 hasta 22  enero  2016

Arribo de artistas a la ciudad de Quito: 14 de febrero 2016

Inicio residencia: 15 de febrero 2016

Culminación residencia: 6 de marzo  2016

Presentación de resultados proceso de residencia Muestra 4 de marzo 2016

Salida artistas residentes 6 de marzo   2016

Pagos por transferencia vía moneygram o western unión

A nombre de:

Gabriel Arroyo Gallardo

DNI: 1714661863

Teléfono (593)  0979387670

Dirección: Barrio La Mariscal Quito Ecuador Sudamérica

La Multinacional,

Quito-Ecuador   

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INTERCAMBIOS Convocatoria y Muestra Internacional de Video

INTERCAMBIOS [Colombia – Ecuador]  CONVOCATORIA Y MUESTRA INTERNACIONAL DE VIDEOARTE Y VIDEOPERFORMANCE
Con el fin de visualizar los productos y proyectos audiovisuales en el campo del videoarte en Ecuador, el proyecto LA TOSTADORA artes sonoro-visuales en coordinación con La MULTINACIONAL, invita a todos los artistas, colectivos y realizadores residentes en Ecuador, a enviar sus propuestas de videoarte, video performance y video experimental a la convocatoria INTERCAMBIOS 2015.

Condiciones

-La temática es libre.

-Cada artista o colectivo podrá presentar 2 videos como máximo.

-Los videos serán originales y todos los derechos están en posesión de los autores.

-Los autores autorizan a: La TOSTADORA y La MULTINACIONAL, la proyección y exhibición de sus videos en diferentes espacios culturales tanto en Ecuador como fuera del país, sin ánimo de lucro o comerciales, únicamente con fines de difusión artística cultural.

Los participantes pueden enviar sus propuestas vía Wetransfer al correo latostadora@hotmail.com, con ficha técnica que contenga:

– Nombre del Artista y ciudad

– Nombre del Video Arte contemporáneo

– Duración y año de realización

(Se recomienda enviar videos en formato H264, Mp4 o MOV )

Los videos seleccionados harán parte de la muestra itinerante INTERCAMBIOS [Colombia – Ecuador] 2015 que se presentara en diferentes espacios a nivel nacional e internacional. 

Convocatoria abierta del 25 de Octubre al 30 de Noviembre 2015.

Organiza:

LA TOSTADORA. Artes sonoro-visuales [Colombia] en coordinación con La MULTINACIONAL (arte contemporáneo) [Ecuador]

http://latostadora.blogspot.com

https://www.facebook.com/latostadorasonorovisual

@la_tostadora_

latostadora@gmail.com

https://lamultinacional1.wordpress.com/

multi.nacional@hotmail.com

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Residencia A corto Plazo con Andrés Cuartas (Colombia)

Muestra de video LA VUELTA A COLOMBIA, LA TRIBU UNIDA  Inauguración Viernes 13 de noviembre 2015, Casa de Las Artes la Ronda.  Abierta del 13 al 29 de noviembre 2015 visítala de martes a domingo.

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La VUELTA A COLOMBIA “la tribu unida” se plantea como una muestra de video itinerante que articula el sentir y palpitar audiovisual de 8 diferentes ciudades de Colombia. Se busca crear un punto de contacto donde podamos conocer el quehacer audiovisual de cada región, zona y ciudad. Y compartirlo y hacerlo visible en las demás ciudades.

Mas allá del ejercicio individual. Se le da prioridad al contacto humano y entablar vínculos y puentes entre las ciudades, apoyarnos y compartir el conocimiento y experiencias que surjan en cada lugar de origen y darle eco en Colombia y el resto de Latino América.

Proyectos Participantes La Decanatura (Bogotá), La Tostadora (Pereira), Galería La Mutante (Bucaramanga),La plástica Rayada (Cali), La Usurpadora (Puerto Colombia), Colectivo 83 (Popayán), RED Project(Pamplona), Piso Alto (Medellín). Artistas: Alejandra Álvarez, Alejandra Pungo, Alejandro Paucar, Ana Bravo Pérez, Andrea Aristizabal, Andres Barrera, Andrés Cuartas, Andrés Matute, Andrés Valles, Andrés Vásquez, Ángela Varona, Angie Cristancho, Camilo Aguirre, Camilo Barreneche, Camilo Buitrón, Carlos Bernal, Carlos Gómez, Carlos Piedrahita, Carol Sabbadini, Catalina Rojas, Claudia Ríos, Colectivo Cleta, Cristhian Cabrales, Daniel Castro, Daniela Giraldo, Deivi García, Diego Garzón, Diego Rubiano, Diego Villada, Edwin Duarte, Edwin Sánchez, Efraín Marino, Estefanía López, Ever Urbano, Francisco Toquica, Fredy Clavijo, Giovanny Terranova, Guillermina Tschopp, Gustavo Romero, Héctor Iñaki Gómez, Hernán Ospina, Ivonne Villamil, Jonathan Vargas, Jorge Núñez, José Ricardo Contreras, Juan Chica, Juan Duque, Juan Melo, Julián Martínez, Karol Cárdenas, Juanita Rangel, Laura Tobón Echavarria, Lailani Quintero, Leinad Pájaro, Leonardo Amador, Leonardo Cuellar Cruz, Lina Hincapié, Lorena Espitia, Luis Gabriel Caldas, Luis Saray, Luisa Botero, Marcela Cuartas, Marco Paredes, María Leguízamo, Mario Tovar, Matías Jiménez, Natalia Rangel, Nicolás Cadavid, Niño Naranja, Noeelle Lieber, Oscar Salamanca, Quinaya Qumir, Ricardo Muñoz, Rocío Morinelli, Rossana Orozco, Sandy Barroso, Santiago Aranda, Sara Acuña, Sara Solarte, Sebastián Sánchez, The Trans, Vanessa Pérez, Vanessa Vahos, Verónica Valencia.

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Taller de video Glitch impartido por Andrés Cuartas en La facultad de Artes UCE. Jueves 12 y viernes 13 se noviembre 2015.

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Andrés Cuartas compartiendo su proceso creativo y su trabajo de gestión en la plataforma La Tostadora sonoro-visual. 10 de noviembre 2015 Facultad de Artes UCE

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Del 9 al 16 de noviembre 2015  nos visita Andrés Cuartas (Colombia) presentándonos varias actividades de su trabajo artístico y su coordinación en el proyecto sonoro-visual La Tostadora, Estará presentándonos su  portafolio y el mecanismo de gestión,  procesos y trayectoria del proyecto La Tostadora, tales como convocatorias, muestras, participaciones en festivales, entre otros.

Parte de su residencia estará lanzándose  una convocatoria  de videoarte y video-performance en la que se recopilen diversos trabajos audiovisuales de artistas y realizadores ecuatorianos, los cuales serán exhibidos en una muestra en la ciudad de Pereira Colombia al regreso de la residencia.

De igual forma estará compartiendo un taller de creación de video  en el que se recojan fragmentos audiovisuales creados por los participantes a partir de pequeñas acciones individuales, estos fragmentos se utilizarán  para la creación de una pieza de videoarte de carácter colectivo en la que se evidencien relaciones entre el cuerpo y el video como lenguaje de creación plástica. (Esta pieza también hará parte de la muestra de videoarte ecuatoriano en Colombia).

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info: multi.nacional@hotmail.com

duración 6 horas, requerimientos: dispositivos moviles de grabación de audio y video (cámaras, celulares) cupos limitados

Finalmente presentará en varias  proyecciones simultáneas y espacios en Quito  la muestra itinerante de videoarte Vuelta a Colombia, “la tribu unida” además de  realizar una charla sobre el proceso de selección y las muestras itinerantes que se realizaron en 8 ciudades de Colombia durante el 2014 y 2015, en la que participaron los proyectos: La Tostadora (Pereira), La Plástica Rayada (Cali), La Decanatura (Bogotá), La Usurpadora (Puerto Colombia), Colectivo 83 (Popayan), Red Project (Pamplona), Galería La Mutante (Bucaramanga) y Piso Alto (Medellín).

Casa de las Artes La Ronda

Viernes 13 de noviembre 2015 19h00

abierta hasta el sábado 14 noviembre

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Biografía Andres Cuartas
Artista visual, Licenciado en Artes Visuales de la Universidad Tecnológica de Pereira, adelanta estudios de Maestría en Estética y Creación en la misma universidad; su obra se ha desarrollado en los campos del arte
sonoro, el videoarte, y videoperformance.
En su trabajo sonoro indaga acerca de la ciudad como un paisaje sonoro fragmentado, donde el ruido y experiencias situacionistas como la deriva son el punto de partida para la creación de sus instalaciones sonoro-visuales y paisajes sonoros experimentales.
Sus creaciones audiovisuales son abordadas a partir de simbolismos, vivencias propias, las cuales recrea por medio del videoarte y el video-performance en las que predomina la auto-referencia, la repetición, la
angustia y el absurdo como ejes estéticos.
Paralelo a su obra, desarrolla proyectos curatoriales en el campo audiovisual. Desde el Proyecto La
Tostadora ha sido invitado al IVAHM’12 (International Video Art House Madrid) en Madrid España, al 6to
Festival Internacional de Cine de Villa de Leyva y a la muestra itinerante por 10 ciudades VUELTA A
COLOMBIA “la tribu unida”; además hizo parte durante el 2012 y 2013 de la organización y curaduría de NIO, Muestra Internacional de Videoarte, realizada en Pereira Colombia.
Ha exhibido su obra como invitado y participante en exposiciones individuales y colectivas en festivales de
videoarte, cine y media-art nacionales e internacionales en países como: Suiza, Francia, España, Grecia,
Alemania, Italia, Portugal, República de Macedonia, Canadá, EEUU, México, Argentina, Perú, Ecuador,
Venezuela y varias ciudades de Colombia.
http://latostadora.blogspot.com/https://www.facebook.com/latostadoravideoexperimentalhttp://vimeo.com/latostadora La Tostadora – Artes Sonoro-Visuales

INTERCAMBIOS [Colombia – Ecuador]  CONVOCATORIA Y MUESTRA INTERNACIONAL DE VIDEOARTE Y VIDEOPERFORMANCE
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Con el fin de visualizar los productos y proyectos audiovisuales en el campo del videoarte en Ecuador, el proyecto LA TOSTADORA artes sonoro-visuales en coordinación con La MULTINACIONAL, invita a todos los artistas, colectivos y realizadores residentes en Ecuador, a enviar sus propuestas de videoarte, video performance y video experimental a la convocatoria INTERCAMBIOS 2015.

Condiciones

-La temática es libre.

-Cada artista o colectivo podrá presentar 2 videos como máximo.

-Los videos serán originales y todos los derechos están en posesión de los autores.

-Los autores autorizan a: La TOSTADORA y La MULTINACIONAL, la proyección y exhibición de sus videos en diferentes espacios culturales tanto en Ecuador como fuera del país, sin ánimo de lucro o comerciales, únicamente con fines de difusión artística cultural.

Los participantes pueden enviar sus propuestas vía Wetransfer al correo latostadora@hotmail.com, con ficha técnica que contenga:

– Nombre del Artista y ciudad

– Nombre del Video Arte contemporáneo

– Duración y año de realización

(Se recomienda enviar videos en formato H264, Mp4 o MOV )

Los videos seleccionados harán parte de la muestra itinerante INTERCAMBIOS [Colombia – Ecuador] 2015 que se presentara en diferentes espacios a nivel nacional e internacional. 

Convocatoria abierta del 25 de Octubre al 30 de Noviembre 2015.

Organiza:

LA TOSTADORA. Artes sonoro-visuales [Colombia] en coordinación con La MULTINACIONAL (arte contemporáneo) [Ecuador]

http://latostadora.blogspot.com

https://www.facebook.com/latostadorasonorovisual

@la_tostadora_

latostadora@gmail.com

https://lamultinacional1.wordpress.com/

multi.nacional@hotmail.com

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Emplazamiento Tierra

….el hombre podría considerarse un animal que vive sobre el límite de un cuerpo redondo en medio de lo meteórico, como si se tratase de un onto –ser suspendido, de todas formas externo, que algunas veces logra viviendas, apareamientos e incubadoras.

Las incubadoras las consideramos criaderos de seres humanos en su afán de alejamiento de lo salvaje, pero también las incubadoras representan emplazamientos como lugares donde los propios se sienten extraños, concebidos en otras representaciones de mundo y al mismo tiempo los huidos, los que han decidido irse regresan para volver a sí.

Fragmento curatorial

“Emplazamiento Tierra” es una muestra de arte en pequeño formato, de producciones artísticas contemporáneas que abarca: el dibujo, la pintura, el grabado, la serigrafía, el objeto, lo digital y la fotografía. Exposición colectiva que reúne 22 artistas de varias nacionalidades, entre estas: Canadá, Colombia, México,  Venezuela,  Perú, España y Ecuador.  Varias de las Obras expuestas en “Emplazamiento Tierra” se han mostrado en Cienfuegos-Cuba y Pereira-Colombia.

Esta exposición se ha generado a partir del establecimiento de redes entre espacios, artistas, agentes y gestores culturales, quienes proponen desde sus propias prácticas y trabajo: ejes y enfoques que denotan una versatilidad y actualidad discursiva y de lenguajes; a la vez que generan agilidad para la difusión de sus obras.

 La muestra advierte intuiciones fuertes en relación autores que encarnan posibles anclajes o retornos de una huida,  una suspensión o de otras representaciones de cuerpos/mundos meteóricos; externo, impropio o de transito ilimitado.

La muestra “Emplazamiento Tierra” se inaugura en la Casa de Artes La Ronda el día jueves 27 de agosto del 2015 a las 19h00 y permanecerá abierta al público hasta el día Domingo 27 de septiembre 2015 .

 

 

 

 

 

 

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LA MULTINACIONAL RESIDE EN PERAS DE OLMO / ARS CONTINUA—C.A.B.A.-ARG—

AnAcRóNiCa / PRÁCTICAS PERFORMÁTICAS INCIERTAS

 Vol. XX de la Serie Open field /campo abierto con artistas ecuatorianxs

La Multinacional, plataforma de gestión, exhibición y circulación de arte con sede en Quito, reside en el espacio de Peras de Olmo / Ars Continua dirigido por la artista Graciela Ovejero postigo en C.A.B.A. ARG.

Presenta su trabajo curatorial denominado “Anacrónica” Prácticas performáticas Inciertas en el que participan Edison Cáceres Coro Y gabriel arroyo gallardo de forma presencial y una invitación a Daniel León (Pala Minga) de forma virtual.

Como parte de la residencia se articula una muestra de video, fotografía y registros de performance de artistas ecuatorianxs. que son invitados a participar de esta experiencia a través de mostrar sus trabajos en formato digital,  La muestra presento trabajos realizados a partir del año 2012 y se articularon por dinámicas emplazadas en su mayoría en el espacio público seguidas de un conversatorio con los asistentes a la muestra. de tal forma que se permita dar a conocer las propuestas, contexto y coyunturas en las que artistas de Ecuador desarrollan sus trabajos

Artistas particpantes:

Cristian levi- Daniel León (Pala Minga)- María Jose Machado- Colectivo Witzas-Gabriela Santander- gabriel arroyo gallardo.

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La residencia también propuso el trabajo con artistas locales a través de un laboratorio denominado “Anacrónico” desarrollado el día 23 de agosto 2015 en el que participaron: Claudio Braier-Jenny Toro Salas- Gabriel Montero- Anderson feliciano- Gustavo Solar- Graciela Ovejero coordinado por gabriel arroyo gallardo y Edison Cáceres Coro, proponiendo dinámicas de accionamiento en espacios “anacrónicos” denominados por su aspecto de abandono, corrosión, derruido, a partir accionamientos y gestos simples que surge del encuentro con el lugar y con sus elementos y objetos.

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registro: Robert Peyote Paredes

“Anacrónica”  Prácticas performáticas Inciertas

La propuesta Curatorial que es trabajada desde 2014 contextualiza el trabajo que realizan en el proyecto La Multinacional en relación a sus prácticas como artistas y aparece de forma coyuntural a cierto síntoma que se percibe alrededor del tema de gestión y producción artística en Quito. visibiliza problemáticas en la gestión y los modos y mecanismos por lo que como artistas fluctúan y permean para realizar su trabajo.

Texto Curatorial:  AnAcRóNiCa

“ellos me condenaron a irme pero yo les condené a quedarse”

Diógenes el perro

El proyecto AnAcRóNiCa involucra,una  residencia en Peras  de Olmo– Ars Continua  (espacio de Producción, Exhibición e intercambio en Arte Actual Buenos Aires – Argentina)  y  una muestra de performance a partir  de un proceso de laboratorio denominado “AnAcRóNiCo” propuesto por artistas  ecuatorianos vinculados al proyecto de  La Multinacional (Quito – Ecuador).

El planteamiento de trabajo  de La Multinacional (Quito – Ecuador) en el marco de la Serie  Open field / campo abiertO  de Peras  de Olmo (BsAs – Argentina)  aparece como una extensión de nuestras prácticas y experiencias. Se asume  la anacronía-lo anacrónico, como  un proceso por el que  lo a-temporal, lo descolocado, lo incierto  y la impertinencia operan  con sistemas estéticos y creativos inquietantes para generar situaciones, acciones y prácticas artísticas.

ANACRONÍA toma la impertinencia como modo de hacer y de ser de artista;  frente  a la bienaventuranza hipócrita positivista del progreso. A la vez que propone distanciarse de lo retórico y  hacerse cargo  del  cinismo versus cualquier tipo de  creencia dúctil; lo cual genera  experiencias y reflexiones con una multiplicidad de abordajes, contenidos y conceptos que dan cabida sobre todo a la idea de individuo y proyecta condiciones, por fuera de lo establecido, favoreciendo así despliegues propositivos e investigativos sobre las particularidades propias  del trabajo  de los artistas  participantes.

Se piensa  el cinismo en el sentido de  “Incidir  sobre  eso mismo  que molesta”, como eje que  visualiza aquellas zonas  de estabilidad y confort, cuestionando visiones salvíficas, reversibles que plantean tomar posición. Frente  a esta toma de partido la no elección es una opción;  tomando distancia de lo políticamente correcto cuya  matriz  es lo inmediatamente constructivo y lo que ha de hacerse. ANACRONÍA articulará los recursos y lenguajes de la performance como motor de irrupción social,  en su aspecto comunicativo.

La  Multinacional

2014/2015 quito.ecuador

Texto Crítico por G. Ovejero Postigo / Peras de Olmo – Ars Continua ©7/8/2015

Este volumen XX de la Serie curatorial reúne artistas ecuatorianos, 3, subjetividades masculinas que comparten cercanías y colaboraciones en la escena independiente del arte contemporáneo de su país en Quito y la misma trama generacional, siendo todos nacidos a comienzo de los años 80. Una nueva oportunidad para compartir y seguir pensando, los lugares y abordajes del arte acción en el amplio espectro de la actual realidad latinoamericana –entre otros tantos intereses de reflexión y encuentro–,  porque de Quito a Buenos Aires se extiende un mismo suelo de múltiples memorias, voluntades y accidentes que nos habla de diversidades en semejanzas. Y, es que además, “desde no hace mucho…” como dijo hoy mismo una amiga porteña, “la Argentina es latinoamericana”, expresión compleja pero resonante. Aquella mitología generalizada de descendencia “de los barcos”, negadora de zonas e historias de mestizajes que minorizó su reflejo con otros países hermanos continentales, ha sido desestabilizada por las propias crisis, contradicciones y dinámicas incontenibles de las luchas simbólicas, de clase, del interjuego de apropiaciones y reatribuciones culturales y los desbordes demográficos internos o regionales propios de las sucesivas fragilizaciones laborales, institucionales y económicas de los paradigmas de herencia neoliberal asentados sobre viejos trazos de impronta colonial, europeísta o “1er mundista”.

En el campo del arte en latinoamérica esto estuvo siempre a flor de piel, nos reconocemos como identidades que incluyen pérdidas importantes, reiteradas, que no han dejado de inquietar y motivar propósitos, emocionalidades críticas, no ingenuamente sostenedoras de la intensionalidad de recuperar e integrar esas pérdidas a paradigmas mas vitales, justos e inteligentes. Ya sin entrar demasiado en esa maraña histórica de proyectos económicos y ficciones identitarias colectivas en gran parte reductivas, oprimentes y alienadoras, atendemos conscientes a las dificultades y pulsos diarios de ese sustrato y a todo lo que nos constituye finalmente como un mundo impuro de gran fecundidad y curiosidad cultural, naturalizado en la discursividad pluricodificada, antes aun, de que el postmodernismo intentara seducirnos con la complacencia de lo incierto, por momentos pareciera que propiciando mayores vulnerabilidades favorables a la vorágine mutante del capitalismo último.

Algo de esta intensionalidad confrontativa, neurálgica como síntoma, pero indagatoriamente propositiva y deseante, percibimos en la narrativa de presentación y obras que generan los 3 artistas del colectivo Quiteño de gestión y producción La MULTINACIONAL, ya desde su contundente título de proyecto “AnAcRóNiCa”. Las Notas de Trabajo que sistemáticamente solicitamos a lxs artistas participantes en cada volumen de esta serie curatorial, independientemente de la producción de texto que genera quien es invitadx a realizar la curaduría, es un ejercicio que nos permite una entrada más al proceso creativo y producción de pensamiento que sustenta las obras y el posicionamiento de lxs artistas en su autonomía dialogante con el proyecto en el cual están incluidos y su contexto en general. En este caso, en un rápido desglose de términos podemos identificar dos campos tonales diferentes en relación de secuencia ligeramente funcional, interdependientes.. palabras que connotan ‘síntoma’, estado emocional y por lo mismo un cierto ‘diagnóstico’, y frases o ideas que connotan ‘construcciones propositivas’. Leamos:

‘Síntoma y diagnóstico’, el lado crítico, el reflejo contextual de una lectura sensible, que inunda la existencia diaria > “ironía, parodia, cinismo”… “camuflaje, la impostación, la incerteza”…la “precariedad”, la “impertinencia” … / la“posibilidad vacua  de nuestro futuro” … el cuestionarse  “¿qué nos queda después  del fin?” / “LaDilatación”, “La dispersión” … Lo “nosólido” … “estadofantasma, inasible, impropio” //

construccionespropositivas’ > “el emplazamiento del artista como ente “socialmente productivo” / “Develar el estado fantástico individual y grupal”… “lo lúdico como un referente psíquico de valor”… para crear “realidades alternas”, una “alternativa de vida distinta”/ la afirmación de “espacios META” la indagación de ”lo que existe en la abstracción”.

Las voces parecen surgir de un cierto ‘estar fuera de.. ’ lo observable/observado, de una distancia o fatiga por lo insistente y repetitivo de los condicionamientos percibidos, un no disimulado  “desencanto” que se resuelve en un desmarque, no como abandono sino más bien como apertura hacia una intensificación intencional del síntoma, como posible ensayo liberador, al menos en la dimensión potencialmente autónoma que le queda a la subjetividad.

 

Propuestas Presentadas

Autor : Edison Cáceres Coro

Título: overline

duración 25′

performance en vivo  y registro en video 

colaboración : Jenny Toro Salas (COL) 

registro performance espacio público: gabiel arroyo

registro performance en vivo: Robert Peyote Paredes (ARG) 

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Fotografía: Claudio Braier

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Abstract de artista: Overline, propone dos instancias de presentación:  la una se activa con una acción en espacio público en Buenos Aires, llevo al filo de mi talón un cuchilo que va atravezando y dejando el rastro el momento que camino por la calle. la acción suscito que la policia local activara su estado de alerta al ver un potencial “peligro”  e intento de “provocar miedo” en el transeunte.

La otra instancia se ejecuta en el interior de la galería en la residencia Peras de Olmo, corporizando el rastro dejado en la ciudad en mi cuerpo a través de un tatuaje que dibuja una línea que va del extremo superior de la rodilla al inferior de la clavícula, realizado por colaboración de la artista Jenny Toro Salas (Colombia).

Notas de trabajo:  Abordo diferentes intereses, en relación a mis propias  temporalidades y circunstancias.  Mis últimas producciones han considerado la ironía, parodia, cinismo como mecanismo que deconstruye: imaginarios, imágenes, instituciones,  conceptos  y contenidos formados por tradiciones casi siempre erróneas y modernistas.

Mi proceso reflexiona en doble vía a través de ideas como el camuflaje, la impostación,  la incerteza.  No pretendo abordar temas “trascendentales” confío en la simplicidad de posicionar un gesto parásito cuando veo la oportunidad de decir algo en forma de comentario desde el arte.

Mi últimas producciones  consideran elementos de cuestionamiento  del arte: en ocasiones como crítica  en temas como  el mercado, la difusión,  la precariedad del artista y sus modos de producción, y otras  desde la reflexión como productor de imágenes  y sonidos desde el simple espacio lúdico, matizados siempre por el atravesamiento coyuntural y cotidiano de mi propia existencia como un gesto que busca un denominador común entre lo que se hace, dice y piensa.

en junio 2015 en quito. realizo una  performance denominada “Artista del Hambre o hambre del artista” Desborda una suerte de crítica  en torno a la idea de inacción institucional, planteada desde el gesto de arrastrar carne con mi boca y atravesar un espacio oficial, marcado por lo que podría ser un rastro de podredumbre a vista y paciencia de los acólitos que trazan planes y estrategias en función de sus propios intereses.

Pensaba en los diferentes gestos en el arte que han trazado una línea  como metáforas de seguimiento y fractura  al mismo tiempo (Nam June Paik, Doris Salcedo).  Y he considerado la extrapolación del cuerpo desde el riesgo y la exacerbación de mi propia percepción a través del cansancio, la fatiga.

Como gesto propone la huida de estos espacios, pero antes de hacerlo,  tomando lo que a uno le pertenece. Evoca momentos viscerales y descarnados que encubren de forma sutil lo que podría pensarse es una acción auto referencial o hasta intimista. Sin embrago se emplaza de forma subyacente un claro mensaje de boicot a elefantes blancos.

Para la residencia en Peras de Olmo-Ars Continua propongo ciertos matices de esta acción, prolongados con tópicos que parten del título de la acción y que piensan en  el emplazamiento del artista como ente “socialmente productivo”

Se propone la activación en espacio público y cerrado a través de registros fotográficos y de video para socialización y reflexión.

Autor: gabriel arroyo gallardo

título: FUERZAS DE DILATACION

De la Serie FUERZASD

duración: 25′

Registro: Robert Peyote Paredes

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Abstract de artista: La dispersión es un eje en el cual se establecen varios tránsitos etéreos. Del estado fantasma, inasible, impropio, indefinido surgen cuestionamientos ¿nada es sólido?, ¿todo es: nosólido?

sobre imposibilidades asibles/posibilidades inasibles se despliegan/repliegan múltiples posiciones y trayectos donde el cuerpo interactúa como operador temporo-espacial.

¿Entonces se podría reflexionar acerca de este estado nebuloso, frágil, impreciso en la prueba de espacios META (“Mas allá de” o “después de”)?. En estas reflexiones cohabitan potenciales campos de interacción sobre aquello que se pliega/repliega y existe en la abstracción.

Autor: Daniel León (Pala minga)

Título: S/T (“en la historia como en la naturaleza, la podredumbre es el laboratorio de la vida” Marx)

duración 20′ acción virtual, transmisión on line desde quito.ecuador

Registro: Robert Peyote Paredes

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Abstract de artista: Las  múltiples  acciones  mutiladoras de  las  relaciones  son necesarias para  la  nueva  estructura sentimental que estamos creando en función de un ordenamiento autónomo, autosuficiente,  o son las inevitables resplandecencias de un apocalíptico devenir, de ese fin al que hemos sido condenados desde  antes  de empezar esa  posibilidad vacua de  nuestro  futuro, me surge  lapregunta  ¿que  nos  queda después  del fin? Esa humanidad que  pomposamente ostentamos quizás sea lo que nos detiene ¿Qué pasaría en un futuro menos humano? cuyas leyes o regulaciones funcionan bajo principios de oposición mutua, en donde los capitales simbólicos son  confrontados  mecánicamente  como  una  metonimia,  permitiendo  la  construcción  de presupuestos estéticos nuevos y presentando estéticas nuevas, o recicladas de dinámicas sociales determinadas a los nuevos conflictos que esta ficción te puede presentar, en el vaivén de lo que somos y aprendimos. Develar el estado fantástico individual y grupal es un reto  tomando encuenta la fantasía como algo innato a los seres humanos y que está  perennemente rondando la psiquis y los espacios de interacción de las personas. Definir la  ficción desde las instancias cognitivas como un proceso mental que yace en la memoria como una capacidad del ser humano de registrar lo conocido y lo no conocido o percibido o ir un poco más allá de la objetividad del concepto y proporcionar a la ficción otra dimensión en la que se trae a la conciencia imágenes, sensaciones colores y sabores que circundan nuestra mente nuestro contexto. Una dimensión en la que se juega la realidad como una suerte de respuesta alterna a otras realidades paralelas creadas por nosotros mismos. Recreando y reciclando contenidos, deseos, frustraciones, alegrías, penas, épocas de nuestra existencia, etc.

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“DANDO LA CARA” Autorretrato Y Autorepresentación

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“Dando la Cara” es una muestra que se presentó en Quito en septiembre / octubre 2014. La muestra se reedita y se presenta en el Museo Municipal de Arte Moderno de Cuenca del 6 de agosto al 6 de septiembre 2015.
Las diferentes entradas a la temática ha permitido que la muestra posea una variedad de medios y formatos que van desde el dibujo, la instalación, fotografía, video, y performance.
Propone reflexionar la autorepresentación ubicando al autor dentro y fuera de la obra. Quién es el representado y cuanto de esa autorepresentación e interpretación puede tener de autorretrato, colocando el modelo identificado en una cuestión de mirada. Transgrediendo desde su visión su propia identidad.
Desde esa suspicacia y sensibilidad podemos hablar de temporalidad ya sea desde un ejercicio de mímesis o a través de lo metafórico como acción que evoca el anonimato y lo intersticial entre estos elementos. O incluso la literalidad a través de la propia y casi redundante presencia del artista en vivo. La propuesta ya no solo da a ver la imagen, tratándose de autorretrato, también busca en lo intangible la pregunta ¿cómo se construye y sucede la autorepresentación?

Artistas Participantes:

José Jiménez  (Zaktasantorum)-Alex Schlenker- Glenda Rosero- Ernesto Proaño-Pablo X. Almeida- Moisés Yunga- Edison Cáceres Coro- gabriel arroyo gallardo-Diana Boada- Karina Cortéz- Rodrigo Viera- Daniel León (Pala Minga)- Sarahí García- Juan Shapan- David Celi- David Jara Cobo- Patricio Ponce Garaicoa 

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Texto Crítico de la muestra

El impulso irracional de la identidad ha desfigurado, no solo el presente siglo, sino toda la proclive tendencia a desafiarla. Atrás quedaron los intentos por construir la imagen de sí mismo como una sumatoria de elementos en juego de opuestos, quizá con el aliento salvífico instaurado en el mundo del inconsciente o el film de segunda línea.

Nuestro refugio convirtió la soledad en el acompañante originario ante la devastadora sensación de vacío que cada día se empecinaba en pisar los talones del intelecto, la sensibilidad amorosa y ¡claro! Aquella antigua noción de arte vinculada con lo bello.

El laboratorio de imagen derivado de la clínica psicológica ha acompañado la pretensión creadora
como una suerte de penetraciones, cada vez más profundas y delicadas, hacia los intersticios del
pensamiento. A partir de sus viajes exploratorios al yo, los otros yo se interponen con gobiernos
autocráticos para producir seducciones y vestigios de autonomía.

En ese caldo de cultivo por la forma que surge del estudio de sí mismo, el artista contemporáneo transforma su arsenal nihilista por un pronunciado ex nihilismo cansado ya de la retracción de sentido.  Llegó a tal punto de distancia lo humano de su experiencia, que el sustrato esperanzador de la imagen sucumbió en degradantes columnas de humo, replica protérvica de la sociedad y su criadero, la cultura.

Como resultado tenemos que surge una diferencia para el ser, a saber, aceptar que fuimos arrojados a un mundo conformado por símbolos, signos de auto reconocimiento y reconocimiento del otro. En ese caldo de cultivo el artista se presenta como un contenedor vacío susceptible de ser llenado durante su vida, donde la abyección y la deyección propician lo iniciático del lenguaje.

El lenguaje al que me refiero le debe al rostro su impulso por ir hacia la situación desconocida, esto debido a que somos animales de rostro, entendiendo el rostro como una evolución biológica
cuidada de extrema fragilidad, la cual cumple, ante las demás especies y propia, de pasaporte
identitario: los animales humanos avanzamos hacia adelante dando la cara y junto a nuestros órganos reproductores, arrojamos , también hacia adelante, la prole y la confianza de caminar siempre apoyados en la idea de proyecto.

El juego semántico que enmarca la presente exposición ahonda en la situación del mundo hábitat producto del confort, pues retrotrae y pone al descubierto la cara sitiada, difusa e inexistente que el arte y los artistas contemporáneos pretendemos ante el acontecimiento dramático, la ironía
cibernética y el rastro autobiográfico. La tensión consiste en negar socráticamente para buscar la
positivación del a-priori artístico. Al fin de cuenta para algo debe servir el arte y qué más cinismo que
para expiar la materia de la cual estamos hechos.

Los artistas que conforman la muestra arrostran su humanidad bajo el signo poderoso del
autotransporte de la emisión, es decir, cada uno de ellos se siente sometido a cargas de gran calado y tensiones de difícil manejo de lo exterior hacia sus interioridades, como queriéndonos recordar que se es adulto por la capacidad de aguantar presión, presión del arrostrar mundo complejamente
infectado de arte.

Si nos detenemos en sus propuestas percibimos que cobra sentido el encorvamiento de San Agustín porque emerge del interior la fuente temática de sus trabajos y ello hace necesario el autodoblamiento, la autorreferencia como temática central de sus obras: el artista como ser llenado de contenidos se auto estudia y ello de igual forma representa ante nuestros ojos una especie de huida al desierto, una ascesis.

David Jara Cobo, en su trabajo de video performance crea nuevos mitos cargados de existencialismos ancestrales de pureza dados por naturalezas extintas en medio de paisajes, donde el rio traductor de cuerpos desposeídos, otra vez se convierte en límite del sueño y la fascinación.

La cerámica de Glenda Rosero no deja de ser paradigmática cuando, a través de un juego
instaurado por la diosa de los artistas actuales, la Fortuna, concatena despojos de identidad con
marcada literalidad narrativa. La artista fracciona su cara gracias a la suerte y por ella misma representa  una poderosa alegoría del actual estado de las cosas.

Gabriel Arroyo Gallardo explora un autorretrato compuesto por residuos oscilatorios de sí mismo
capaces de traducir situaciones de orden privado en contextos cada vez más comprometidos con
identidades convulsas de separaciones originales y ficcionales.

Moises Yunga crea un enigmático dibujo obsesivo caracterizado por líneas de caracterización que
recuerdan conformaciones cibernéticas, resultado de código binarios donde la noción de archivo
adquiere la temeraria imagen de terrorismo estético.

El poder del objeto sometido a tensiones especulares, mitad referencia de cotidianidad, mitad
prueba fehaciente de lo bello trágico, surge en la obra de José Jiménez (Zanktasantorum). En su trabajo limpio y sistemático logra ubicar el miedo como tendencia de acotamiento del yo sublimado.

Los dibujo-pinturas de Pablo X. Almeida Egas, sobresalen en la muestra por la sencillez de su
lenguaje directo cargado de elementos autobiográficos con los cuales logra describir aspectos intrascendentes en extrañas alegorías del ser. No deja de sorprender la capacidad de síntesis
del artista cuando economiza recursos expresivos con la intención de exponer claramente un dibujo
exploratorio de lo abyecto.

El fotomontaje hijo del pensamiento collage y del bricolaje intelectual produce asociaciones fuertes
debido a la cercanía que se establece con lo real. Precisamente la crudeza del mensaje conflictivo se convierte en la obra de Rodrigo Viera Cruz en su alternativa crítica. El humor genera risas pero al
mismo tiempo descubre lo terrible que significa vivir en un mundo igualmente aterrorizable.

La naturaleza del trabajo de video arte de Diana Boada Morales se centra en recuperar de alguna
manera los lugares invisibles de nuestra experiencia sensible. La artista explora la quietud, el arrullo, quizá la primera página de su vida, como si se aventurara a escribir de nuevo un libro de arena imposible, presente , pero definitivamente certero como materia de auto reconocimiento.

La instalación de Ernesto Proaño Vinueza se configura como un lugar de la memoria, un depositario de recuerdos de baúl, álbumes de vida contenida en fotografías intervenidas, acompañadas de objetos simbólicos relevantes, todo ello con la intención de presentarnos una noción de estética del detritus.

El dibujo difiere de todos los medios plásticos porque él se aleja de la moda, por ello de su
intemporalidad pero también, por esa misma razón, el valor de su permanencia. El video dibujo de
Karina Cortez Ruiz da cuenta de la fuerza de este noble medio, antiguo y contemporáneo a la vez, con el cual la artista transmite un estado de activación pretendidamente psicológico y de auto diagnóstico que toca la cultura y diversas asociaciones de región, patria e identidad.

Edison Cáceres Coro se ha convertido en una especie de activador de consciencias a partir de la
producción de piezas artísticas con cargas críticas sobre el mundo del arte, sumido en problemáticas derivadas de la injerencia del capital como único valor de intercambio.

La epidermis gráfica de la obra de David Celi, parte de la fragmentación de sentido como revolución por la completitud y la capacidad de proyección del campo expandido. El artista profundamente figurativo sigue la desubicación como factor determinante de abordaje de su obra construida como mapa-rostro-piel sicogeográfico en lo abstracto.

Alex Schlenker elabora su propuesta desde la herencia de lo fotográfico resultado del recorte de lo
aparente, espacio de recurrencia gráfica poética de orden aleatorio. La manipulación del registro
documental acrecienta el efecto trágico de escenas , lo mismo ocurre cuando el desdibujo del
desenfoque explora expectaciones térmicas de representación en la figura humana, ahora
acechada.

Interesa sobremanera entender la pintura, no tanto como un acumulado de experticia técnica o de
referencialidad mimética. De la pintura nos queda su estructura que, sumada a la capacidad de
análisis, habla , dice , expone. En la pintura de Sarahí García lo bello se ocupa de distraer la
atención hacia lo anecdótico, por ello su valor de pieza coyuntural en la auto expiación.

El manejo del espacio axiomático, como esa mezcla entre medios y alternativas conceptuales
proyectadas por el video, ocupa el campo referencial del trabajo de Daniel León PalaMinga. El
video instala en el lugar específico un concepto sobre el autorretrato , pero más allá de una
constatación de persistencia, indaga en el suceso diarista, en el devenir del cuerpo propio como
categoría de emergencia.

Como resultado del expresionismo abstracto norteamericano la pintura experimentó una separación analítica en sus componentes esenciales, entre ellos el punto, el plano y la línea. De dicha escisión, el punto cobró autonomía como productor de sentido plástico, en especial desde el dibujo, ya que el punto devino territorio y amalgama. La obra de Juan Shapan retoma la pintura analítica interesada por explicar, que un tratado de arte contemporáneo podría consistir en revisionismos históricos en clave de autoseñalamiento.

La tercera ironía, luego de la ironía socrática y la romántica, nos ubica en un lugar a caballo entre la
naturaleza tecnológica y la naturaleza humana. Para algunas personas representa un peligro inminente el avance de lo tecnológico en nuestra vida y cultura ordinaria, cifrando y ordenando en impulsos la percepción sobre lo real. Para otros, quizá los más optimistas, aceptamos que no puede haber vida y cultura humana sin lo técnico, sin la máquina, así como tampoco podrá ser posible lo tecnificado sin lo humano. La obra de Patricio Ponce Garaicoa nos propone una fusión cibernética como máxima ironía de nuestro tiempo, espacio de hibridación tipo matrix con exceso de belleza e hibernación en el autorretrato.

Texto Critico Colaboración de
Oscar Salamanca
Phd. En Artes, Universidad de Barcelona
La MULTINACIONAL

Autor: David Jara Cobo.
Título: Río de greda.
Técnica: video performance,
realizado en el Yasuní.
Duración: 2 minutos
Año: 2015

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abstract de artista : En los tiempos míticos de los naporrunas, los humanos actuales fueron modelados en barro por el espíritu de la vida humana Yaya y luego nacemos con un soplo de vida, aliento vital. Los primeros seres antes de nuestra creación desaparecieron por que su hábitat fue destruido como conclusión por su mala conducta. Una figura humana hecha de barro cae al río Napo y desaparece. Mi espíritu se quedó atrapado en el río.

Autor: Glenda Rosero
Título: ¨Ficha Técnica¨
Dimensiones: 40 x 15 cm
Técnica: cerámica  Año: 2014

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Autor: gabriel arroyo gallardo
Título: Necróforo V4443
Técnica: Instalación interactiva-
Performance; materiales varios
Dimensiones: variables
Año: 2014

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Abstract de artista: Se propone un autorretrato a través de la ausencia de identidad un retrato oscilatorio y de múltiples modulaciones. Hay una laceración sobre las huellas digitales de la mano derecha, medio tácti/-virtual por el que se identifica a un ciudadano. Esta laceración da paso a una identificación efímera. ¿Se reformulan las huellas y por lo tanto hay una eficacia en la determinación de la identidad?. ¿Es posible la identidad sobre algo / alguien?; ¿Cómo se reconfiguran los medios de coerción para esta identidad no binaria y transitoria?. Este autorretrato vibrante y sin  identidad, crea un sujeto/objeto/ de presencia etérea.

Autor: Moisés Yunga V.
Título: Autoreflejo
Materiales: Esferográfico azul sobre papel 130 gr
Dimensiones: 50 x 70 cm
Año: 2014

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Abstract de artista: “selfies” han invadido la web, el auto retratarse y publicarlo al mundo como nueva forma de existir. Cada una de las fotos que tenemos en la web están almacenadas en alguna parte del mundo, una línea para cada foto, una dirección para cada selfie. Entonces somos una dirección de ida y vuelta dentro de la red, un entramado de direcciones, de datos binarios, somos un abstracto de nosotros mismo.
La obra se titula “Auto reflejo” ya que ésta actúa como un espejo digital, como algo en el cual reflejarnos y poder vernos, no de una forma mimética, sino tener una interpretación de lo que sería un reflejo de nuestro yo virtual, de nuestro yo digital. Un reflejo de esa otra forma que, a veces es más presente y existente que nuestra misma forma corpórea.

Autor: Jose Jimenes Zanktasantorum
Título: S/T
Técnica: Objeto, Radigrafia, Luz.
Dimensiones: 40 cm X 30cm
Año: 2014

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Abstract de artista:Estamos seguros que no importa que tanto te proyectes hacia una meta, las cosas no salen nunca al pie de la letra, es esta constante la que nos remite al error como un proceso de aprendizaje, mas que encasillándose en la finalidad, los efectos secundarios que generan estas derivas son las que nos hacen apreciar la naturaleza de las cosas.

Autor: Pablo X. Almeida Egas
Título. “No me acuerdo si el curador me dijo que era un outsider o un looser”
Técnica. Composición Dibujo-pintura
Dimensiones: variable
Año: 2012-2014

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Abstract de artista: Reflexión acerca de algunos pasajes de mi vida, desde la libertad total en la época de soltero (autorretrato con taxistas y prostitutas), luego pasando por fracasos amorosos (autorretrato con silla y perro), etapa inicial de matrimonio (representación de la comunicación) y  la etapa actual representada en dibujo con círculos concéntricos infinitos.

Autor: Rodrigo Viera Cruz
Título: Plomero
Técnica: Fotomontaje
Dimensiones: 60cm X 40cm
Año: 2014

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Abstract de artista: De autoretratos y egotecas, ironizando el trabajo del trabajo del
trabajo.

Autor: Diana Boada Morales
Título: AUTORRETRATO
(arrullo de cuna)
Técnica: video / acción
(Fotogramas video)
Duración: 3min
Año: 2014

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Abstract de artista: La memoria se va encadenando con las percepciones, que se deforman con el paso del tiempo, así mismo la estructura y lo q creemos de nosotros mismos. De alguna forma nos reconocemos en lo que no somos, en lo que fuimos y no creemos que nos conforma.
En este video, la simultanea autorrepresentación de mi madre y yo, despierta varios espacios internos de memoria y reconocimiento, un espacio donde en la quietud se encuentra el dialogo, sostenerse en esa fina e inmaterial línea donde el tiempo se detiene; volver al pasado y verse, reconocerse y materializarse en el presente; además el uso del lenguaje y la glosolalia nos trasporta a un sitio efímero casi irreal, ese momento único de calma y de aparente estabilidad.

Autor: Ernesto Proaño Vinueza
Título: Autorretrato
Instalación (materiales diversos)
Dimensiones: variables
Año: 2014

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La unidad no es sino una ilusión, todos los instantes de nuestra vida nos configuran en seres múltiples, nuestro cuerpo no es sino un reflejo coyuntural de ese devenir constante, estamos en
permanente construcción y destrucción.

Autor: Karina Cortez Ruiz
Título: AUTORRETRATO (de la serie puntada familiar)
Técnica: Dibujo.
Dimensiones: 140cm x 165cm
Año: 2015

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Autor: Edison Cáceres Coro
Título: Cualquier discurso contemporáneo me resulta un negocio tramposo
Técnica: Video instalación (fotografía y video)
Dimensiones: variables
Año: 2014/ 2015

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Autor: David Celi
Título: Bitacora
Técnica: mixta sobre MDF, / foild plata, oleo y acrilico
Dimenciones: 120cm X 320cm
Año: 2014

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Autor: Alex Schlenker
Título: Debilidades cotidianas (Tägliche Schwächen / Daily & weäkly)
Técnica: Fotografía análoga
en blanco y negro.
Dimensiones: 68cm X 39cm
Berlín, 2014

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Autor: Alex Schlenker
Título: Shadowgraphy / Sombragrafía(s)
Técnica: Video digital, color, 4:40 min.
Quito, Berlín, Lisboa, 2013-2014.

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Autor: Sarahí García
Título: 5 – 23
Técnica: Acrílico Sobre Lienzo
Dimenciones: 50cm x 70 cm
Año: 2014

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Abstract de artista: Tenía 5 años tenía esta camisa, tengo 23 tengo esta camisa. Existe algo particular acerca de cada persona que en algún momento los otros perciben. Soy lo que los otros ven, soy diferente en cada uno de ellos

Autor: Daniel León PalaMinga
Título: Autorretrato
Técnica: Video instalación
Dimensiones: variables
Año: 2012

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Autor: Juan Shapan
Título: Yo soy, yo fui, yo seré.
Técnica: Mixta
Dimenciones: 17cm ×17 cm c/u.
Año: 2014

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Autor: Patricio Ponce Garaicoa
Título: Autorretrato
Técnica: instalación resina poliester y luces led, audifonos, cancion

CREDITOS de la CANCIÓN
Guitarra y melodía: Jose Luis Celi
Batería y sonido: Jorge Amador.
Bajo, letra y voz: Patricio Ponce
Dimenciones: Variables
Año: 2015

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Letra de Canción
Me laten las mujeres
si me mueven el piso
que aman demasiado
y no piden permiso.
Intento ver las cosas
bajo lógica hippie
no todo tiene un precio
la paz no es difícil.
No creo en milagros
en sangres azules
locos kamikazes
ni en cascos azules.
No soy un tipo rudo
Tarzán no ser mi hijo
voy de mambo en mambo
voy de tumbo en tumbo.
Y no hablo en verso
pero cuando converso
me desborda el verbo
y todo suena denso.
Odio las guerras santas
las corridas de toros
los coches con bombas
y los imperios todos

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